1. МАСТЕРСТВО [художник обязательно должен уметь рисовать?]
Многие убеждены, что именно степень мастерства определяет профессионализм художника. И это, пожалуй, один из самых распространенных анахронизмов по отношению к искусству. Гегемония идеи над исполнением – это следствие длительного процесса дематериализации искусства. Конечно, без какой-либо, даже самой условной формы искусство существует с большим трудом. Чтобы мысль была воспринята, нужна ясная форма. Но эта форма не принципиально обязана быть исполненной от руки – это может быть фотография, перформанс, видео, текст, инсталляция из найденных объектов и так далее. Поэтому рисовать художнику не обязательно, но, тем не менее, что-то он должен уметь делать, конечно. В любом случае, художнику необходимо и пластическое умение, и эстетическое чувство. И тут образование, разумеется, очень желательно – и прежде всего, для того, чтобы научиться понимать значения современного искусства и окружающей действительности, а также научиться высказывать свое мнение о них.
Современный бельгийский живописец Люк Тюйманс нарочито некачественно натягивает холсты, небрежно и блекло пишет фрагменты разнообразных объектов, банальные образы, которые кажутся жуткими и таинственными. Художник использует краску, в которую часто добавляет грязь, песок и пыль.
Сол Левитт писал: «сложно испортить хорошую идею плохим выполнением», а «банальные идеи не спасет и прекрасное исполнение». Поэтому сегодня (да и 50 лет назад) мастерски написанный холст, изображающий, скажем, человека на лоне природы, могут легко заклеймить за ремесленное исполнение и классифицировать как интерьерную живопись.
© «Коллективные действия»
Зато некачественные черно-белые фотографии и схематичные записи очевидцев (лишенные эффектной изобразительности) с места проведения акции, такой как, например, «Появление» группы «Коллективные действия» 1976 года уже успели стать классикой современного искусства.
Пытаться понять, что качественно и мастерски исполнено, а что – нет, в условиях стремительно меняющегося времени – глупо. Для этого требуется статика, спокойствие; необходима как минимум смена эпох. Поэтому сегодня передовые художники не заботятся о качестве своих работ, критикуют институты искусства и власти, стараются уничтожить само понятие авторства и авторского почерка. Искусство становится нерепрезентативным, интимным, тавтологичным.
© Claire Fontaine
2. КРАСОТА [искусство обслуживает красоту?]
Искусство больше не связано с категорией прекрасного. Для этого есть дизайн. Искусство же сегодня – это средство познания, форма размышления о мире.
© Wolfgang Tillmans
Но наблюдение за прекрасным в реальном мире с помощью средств искусства никто не отменял. В частности, одним из лучших инструментов для этого объявлена фотокамера. Немецкий фотограф Вольфганг Тиллманс как никто другой чувствует эстетические изменения в мире, анализирует и архивирует действительность и его часто трудноуловимую красоту.
3. ДИЗАЙН [современное искусство превратилось в дизайн?]
Некоторые полагают, что современное искусство и дизайн – это одно и то же: причисляют фэшн-показы, рекламу, дизайнерские объекты к искусству; и наоборот, многие художественные произведения – к дизайну. Хотя иногда грань между ними весьма условная. Даже несмотря на то, что многие художники кроме работы в сфере искусства параллельно функционируют в сфере дизайна – разрабатывают мебель, снимают клипы и рекламные ролики, занимаются архитектурой и графическим дизайном – всегда, за редким исключением, они отделяют одно от другого. Дизайн прочно связан с понятиями красоты, функциональности, формализма и креативности. Искусство же абсолютно не утилитарно и не сковано категорией прекрасного.
Terence Koh & Lady Gaga
Нью-йоркский художник Теренс Кох работает в различных медиа, но помимо этого занимается также и дизайном: делает кроссовки, устраивает яркие шоу и создает наряды для Леди Гаги.
4. СТИЛЬ [хороший художник – это тот, который узнается?]
«Узнаваемый почерк» художника сегодня может быть прочитан специалистами как свидетельство его ограниченности. Особый авторский стиль выгоден разве что для коммерческого успеха. Хотя индивидуализм и авторство до сих пор являются важными элементами искусства, прогрессивные художники стараются не цепляться за уже найденные стратегии, а находятся в постоянном поиске новых эстетик и образов.
© Bruce Nauman
Творчество Брюса Наумана бросает вызов укоренившемуся представлению о том, что художник должен иметь свой узнаваемый стиль. С середины 1960-х художник создал огромное количество работ в самых разнообразных медиа. Художник убежден, что эстетический опыт важнее фактического значения объекта.
Но не без исключений: некоторые художники намеренно ограничивают себя дополнительными рамками, в границах которых они ведут себя максимально раскрепощенно.
© Daniel Buren
Даниэль Бюрен, к примеру, ограничил себя радикальной творческой стратегией, которая стала его отличительным знаком: отказавшись от фигуративной изобразительности, он сфокусировался на изображении исключительно перемежающихся белых и цветных полос. Причем это ограничение ничуть не сковало художника – им было создано огромное количество самых разнообразных произведений. Именно эти полосы стали визитной карточкой автора.
5. ДЕНЬГИ [чем дороже произведение, тем оно лучше?]
Цена – один из наболее объективных критериев оценки художественного произведения. Но далеко не всегда. Некоторые художники вписаны во все учебники по искусству, но их работы почти невозможно продавать.
© Santiago Sierra
Например, современный испанский художник Сантьяго Сьерра намеренно использует некачественную черно-белую фотодокументацию своих акций и объектов, все выкладывает в интернет, причем в большом количестве. Его работы, таким образом, очень сложно продать по высокой стоимости, чего и добивается автор, критикующий в том числе и арт-рынок.
За многие работы, например, за холст «Мальчик с трубкой» (1905) Пабло Пикассо так дорого заплатили – 104 миллиона долларов в 2004 году на аукционе «Сотби» – по причине того, что другие работы автора совсем невозможно приобрести на рынке, ведь все шедевры Пикассо находятся в частных коллекциях и музеях. Подобные явления на аукционах вызывают истерию спроса: ведь немногие могут купить подлинник Пикассо, даже если на счету миллионы. Поэтому часто цена невероятно раздувается и не соответствует реальной стоимости произведения.
Или китайское искусство, которое сейчас так стремительно растет в цене. Думаете, что и через десятилетия оно будет стоить не меньше? А то, что цена на какой-нибудь холст современного художника из Китая выросла так, что стала превышать цену, скажем, на картину Дэвида Хокни, – это определяет ее как более важную работу для искусства в целом?
Ясно, что цена – ненадежный показатель качества искусства, поэтому для современного искусства так существенен консенсус экспертного сообщества, который порой достигается только с годами.
© Damien Hirst
Один из самых дорогих из ныне живущих художников.
6. ТАБУ [современное искусство – это «кровища и эпатаж»?]
Существует утверждение, что все современное искусство омерзительно, что в нем много патологии, насилия и порнографии. Все это имеет место быть и касается почти всегда радикальных проявлений в художественном процессе, так называемой контркультуры. В интернете можно часто видеть подобные образы (например, на активном сайте, специализирующемся на контркультуре: http://www.looo.ch/), и создается иллюзия, что все современное искусство именно такое. В реальности подобные проявления не так заметны и присутствуют на выставках чаще всего опосредовано.
Политические, эстетические, моральные, религиозные запреты будут всегда – и бороться с ними искусству жизненно необходимо.
Важно отметить, что кровавые фотосессии, антирелигиозные перформансы, антиправительственные артистические акции чаще всего не имеют ничего общего с искусством, так как сконцентрированы на самой борьбе с табу и на эпатажных эффектах. Искусство в этом плане стремится к автономии, оно скорее предпочитает указывать на проблемные лакуны в культуре и обществе, чем бороться с ними.
© Авдей Тер-Оганьян
7. СОЦИАЛЬНОЕ ИСКУССТВО [искусство взаимоотношений – это искусство?]
Часто социально ангажированное искусство (которое также называют искусством взаимоотношений, relation art, коллаборативным искусством) обвиняют в том, что оно не имеет никакого отношения к искусству. Но отнести подобные акции к чему-либо еще, кроме искусства, очень сложно. Специалисты указывают на то, что оценивать подобные акции, опираясь только на эстетические категории, невозможно и предлагают оценивать это искусство, основываясь на этике. Они подчеркивают автономность и независимость искусства, иллюстрируя его образами «свободной сцены» и «воображаемого рупора». В рамках искусства, на его территории воспользоваться таким «рупором» можно с наименьшим страхом, чем с настоящим рупором на улице, хотя последний и более эффективен. Но искусство не обязано непременно бороться с чем бы то не было – оно должно комментировать происходящее и указывать на проблемные точки в мире.
© Jeremy Deller
8. АКТУАЛЬНОСТЬ [современное, актуальное, постмодернистское – какое?]
Распространенной является путаница в терминологии современного искусства. Актуальное (contemporary) многие отождествляют с модным. На самом деле актуальное – это реагирующее на современные эстетические, общественные и политические проблемы. Вообще актуальным называли процессы в искусстве 90-х годов на территории русскоязычных стран, но и сегодня это понятие сохранилось как тождественное понятию современного искусства. Современным же называется все послевоенное искусство, вплоть до наших дней.
Также многие заблуждаются, когда называют современное искусство постмодернистским. Термин «постмодернизм» устарел и не применяется сегодня. Но мы, конечно, все еще живем в эпоху «после модернизма», как живем в эпоху «после Ренессанса». Вопрос терминологии до сих пор остается открытым, время и искусство не стоят на месте, а следовательно, будут снова и снова требовать новой вербализации, а терминология будет вновь и вновь устаревать. Как бы ни назывались передовые процессы в искусстве – актуальными или современными – главное, чтоб они были своевременными.
© Andy Warhol
9. ПРОИЗВЕДЕНИЕ [как дерьмо художника может быть произведением искусства?]
Хаос в терминологии наблюдается также в отношении к понятиям: творческое произведение, художественное произведение и произведение искусства. Тут все просто: кто-то захотел и написал акварель – это творческая работа. Художники вынуждены преодолевать презентационный аспект в своей работе, применяя разнообразные стратегии для демонстрации своей концепции зрителю.
Поэтому если автор выставит акварель в экспозиционном пространстве, осилит презентационные условия и представит свою работу на обсуждение зрителю – объект творчества можно смело переименовать в художественное произведение. Оно уже, пускай косвенно, но имеет определенное отношение к искусству как системе.
Но произведением искусства подобную работу называть ни в коем случае нельзя. Разве что иногда так проявляют личный восторг, подобный тому, как хвалят повара за отличный обед, называя его кулинарное творение настоящим произведением искусства. Эта акварель должна еще быть вписана в определенный контекст и преодолевать не только презентационные, но и другие отношения в системе искусства.
Рассмотрим это на примере произведения «Дерьмо художника» итальянца Пьеро Мандзони, которое уже неотделимо от истории искусства. Многие недоумевают: как можно считать произведением искусства «кал в консервных баночках»? Очень удачно ответила на этот вопрос Екатерина Деготь (искусствовед, главный редактор рубрики искусство портала http://www.openspace.ru/art/ ):
«…работа Пьеро Мандзони 'Дерьмо художника' хранится в художественном музее и, следовательно, является искусством, но не Искусством, так как это слово – не похвала, а просто констатация того, к какому типу вещей эта вещь относится (к произведениям искусства, а не к консервам или не к сувенирам, например). 'Дерьмо художника' является произведением искусства, а не дерьмом художника, поскольку в него вложены значительные интеллектуальные силы самого автора и тех сотен искусствоведов и философов, которые об этом писали и пишут. Не читав этого, понять это произведение (как и вообще современное искусство) невозможно».
© Piero Manzoni